Lisette Model: the unknown daily life

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I have often been asked what I wanted to prove with my photographs. The answer is, I don’t want to prove anything. They prove to me, and I am the one who gets the lesson.

Lisette Model

 

 

The unknown scares. It is something unexpected and unwanted that makes you uncomfortable and makes you feel alone, yet there are those who can not help but facing it. Lisette Model inserts to her images a further filter beyond that purely photographic, a different key to understand what looks like an absolutely daily and comforting scene.

Lisette Model was born in 1906 in Vienna from a Jewish father of Italian origins and a French Catholic mother. At 19 she began to study music with Arnold Schonberg and then with the Polish soprano Marya Freund who moved to Paris with Lisette in 1926. Apparently without explanation in 1933 she abandoned the music and became interested in painting by marrying, four years later, Evsa Model, a Jewish Russian painter who lived in Montparnasse. Her love for photography was born in Paris; she borrowed a Rolleiflex from her sister Olga and had the basics taught by her friend Elisabeth, Kertèsz’s wife. The images of the Promenade des Anglais, which were then published by the communist periodical Regards, were taken during a visit to her mother in Nice. The advent of Nazism and the Second World War pushed Lisette and her husband to move to the United States. Since arriving in America, Lisette tried to work as a photographer and she was often published on Harpers Bazar, Vouge and other newspapers. Her first solo exhibition was held in 1941 at the Photo League and the following year at the Chicago Art Institute. Various exhibitions followed from 1941 at the Museum of Modern Art in New York, first under the direction of Beaumont Newhall and then with Edward Steichen, who said about her: “Lisette Model is one of the greatest photographers of our time. Her prints show a penetrating inflexibility and a search in the reality of the people, their phobias, the senselessness, the suffering and the occasion of their greatness. The resulting images are often the photographic equivalent of tongue’s bitter lashes. It hits quickly, hard and sharp, then comes the sudden stop, her work is devoid of superfluous things or exaggerations “. In 1951 she was asked to join the teaching staff of the New School for Social Research where her longtime friend Berenice Abbott was already teaching. Among the various pupils besides Ruth Kaplan, Eva Rubinstein, Bruce Weber and Larry Fink, from 1957 there was also Diane Arbus.

Through the use of essential, direct and clear photography, she reveals the hidden side of reality, the one that is usually avoided as the bearer of vulnerability. By her own admission it is not always clear to her what the camera is “decoding”, that is a investigation method, a curious way to observe and illuminate those plots of ambiguity hidden beyond the appearance of ordinary things. And so it happens that an image of two old women having a tea at the Hotel Pierre, instead of suggesting a convivial scene, reveals, in the background, the grim and gossipy character of the conversation, perhaps legitimized in the two old ladies thanks to the elegant clothing. The picture of an old woman sitting on the bench of a park, “decked” in her fox stole, with her face caged in the veil of a hat a little too youthful, instead of reproducing the subject in itself, turns out to be an official portrait of the grotesque, almost a materialization of the Pirandellian description. At this point the figure is transformed into the emblem of the desire not to grow old, of the ridiculous aspect that old age assumes when, not honoring itself, tries to get dressed up with an irreparably rotten youth.

The famous image of the overweight woman of Coney Island is also a double and misleading portrait. At first glance what is striking is only the thriving bulk of the body, but, looking carefully, what triumphs, and therefore catches the attention, it is not the enormity of the body, but the one of the spirit … every pore of that woman expresses joy of life, a true hymn to life! And in this way, going beneath the apparence, Model highlights an underground track far more real than what is shown, more intimate and, for its contradictions, hopes and weaknesses, more human. Thanks to re-elaborated version of the visual language made by the artist, one always ends up looking at something familiarly unfamiliar, and it becomes inevitable to take note, to study it with renewed eyes.

Even in those images in which the originality seems to be completely absent, the artist manages to express a completely virgin vision as it happens with the photographs taken at the shops’ windows. Certainly this type of iconography is not new in the history of photography: Eugene Atget left many similar images to which Model must certainly have been inspired, but what are the differences that separate the two artists beyond, obviously, the intent with which the photographs were taken? It is now known that Atget collected views and glimpses of Paris and then sold them to artists and artisans as studies, this makes probable that even the photographs of the windows would have been taken for the same purpose, Lisette Model, instead, shoots to “study”, to discover.

In Model’s photographs, isn’t it present the impression that for once the windows are looking at us? Isn’t it the street the one behind the glass, and aren’t we, with our reflections, the real mannequins? This feeling is amplified thanks to the fact that everything has been symbolically immortalized with clear traces of refractions as in a game of destabilizing mirrors in which reality becomes unrecognizable and in no way identifiable. And so it is that Model succeded in bringing originality to an image already visited. What seems real to us is much more real than it appears, let’s go meet the unsuspected, so that we can discover the unknown and take a picture of it with poetry!

“Lisette Model was as elegant as she was indecent. She was able to entertain the angels in heaven and peek immodestly under their robes. In her work there was something lurking, a deeply animated essence. Criticism, but also a source of life: it embraced the mortality that awaits us all from birth, knowing that every impulse withers immediately if it is not fixed in an image. Photography was the only medium suited to that dynamic, and Lisette embraced it in all her gestures. “

– Larry Fink-

Roberta Zanutto

 

Lisette Model: l’ignota quotidianeità

“Mi è stato chiesto spesso cosa volessi provare con le mie fotografie. Loro provano qualcosa a me, sono io che imparo la lezione.” Lisette Model

 L’ignoto spaventa. E’ qualcosa di inatteso e non voluto che mette a disagio e fa sentire soli, eppure c’è chi non può fare a meno di andargli incontro.Lisette Model innesta alle sue immagini un ulteriore filtro oltre quello puramente fotografico, una diversa chiave di lettura atta ad interpretare ciò che alla vista si presenta come una scena assolutamente quotidiana e quindi di per sé rassicurante.

Lisette Model nacque nel 1906 a Vienna da padre ebreo di origini italiane e madre cattolica francese. A 19 anni cominciò a studiare musica prima con Arnold Schonberg poi con la soprano polacca Marya Freund per seguire la quale nel 1926 si trasferì a Parigi. Apparentemente senza spiegazione, nel 1933 abbandonò la musica e cominciò ad interessarsi di pittura sposando quattro anni più tardi Evsa Model, pittore russo ebreo che risiedeva a Montparnasse. A Parigi nacque il suo amore per la fotografia. Avuta in prestito una Rolleiflex dalla sorella Olga, si fece insegnare le basi dall’amica Elisabeth, moglie di Kertèsz. Di una visita alla madre a Nizza sono le immagini della Promenade des Anglais che vennero poi pubblicate dal periodico comunista Regards. L’avvento del nazismo e la seconda guerra mondiale spinsero i coniugi Model a trasferirsi negli Stati Uniti. Dall’arrivo in America Lisette cercò di mantenersi facendo la fotografa e venne spesso pubblicata su Harpers Bazar, Vouge ed altre testate. La sua prima mostra personale si tenne nel 1941 alla Photo League e poi l’anno successivo al Chicago Art Insitute. Seguirono poi varie esposizioni al Museum of Modern Art di New York, prima sotto la direzione di Beaumont Newhall e poi con Edward Steichen che di lei disse: “Lisette Model è una dei più grandi fotografi del nostro tempo. Le sue stampe registrano una penetrante inflessibilità e una ricerca nella realtà delle persone, le loro fobie, l’insensatezza, la sofferenza e all’occasione la loro grandezza. Le immagini che ne risultano sono spesso l’equivalente fotografico di amare frustate di lingua. Colpisce in modo rapido, duro e netto, poi arriva la fermata improvvisa, la sua opera è priva di cose superflue o esagerazioni”. Nel 1951 le venne chiesto di entrare a far parte del corpo docente della New School for Social Research dove già insegnava la sua amica di vecchia data Berenice Abbott. Fra i vari alunni oltre a Ruth Kaplan, Eva Rubinstein, Bruce Weber e Larry Fink, dal 1957 ci fu anche Diane Arbus.

Attraverso l’uso di una fotografia essenziale, diretta e limpida svela il lato nascosto del reale, quello preferibilmente evitato in quanto apportatore di vulnerabilità. Per sua stessa ammissione non sempre le è chiaro a priori ciò che va “decodificando”, il suo è un modo di indagare, un metodo di osservazione curioso che illumina quelle trame di ambiguità celate oltre l’apparenza dell’ordinarietà. Avviene così che un’immagine di due vecchie amiche mentre prendono il tea all’Hotel Pierre anziché suggerire un pensiero conviviale riveli, in retroscena, il carattere arcigno e pettegolo della conversazione legittimata nelle due signore grazie al ben vestire, o ancora che la fotografia dell’anziana seduta sulla panchina di un parco, “addobbata” nella sua stola di volpe, col viso ingabbiato nel velo di un cappellino un po’ troppo giovanile, invece di riprodurre il soggetto in sé e per sé, risulti essere un ritratto ufficiale del grottesco, quasi una materializzazione della descrizione pirandelliana. La figura si trasforma a questo punto nell’emblema del desiderio di non invecchiare, dell’aspetto ridicolo che la vecchiaia assume quando, non onorando se stessa, tenta di mascherarsi di una giovinezza ineluttabilmente marcia. La famosissima immagine della grande donna in costume di Coney Island è anch’esso un doppio e sviante ritratto. Ad un primo sguardo ciò che colpisce è solamente la rigogliosa mole del fisico, ma a ben guardare ciò che trionfa, e quindi cattura l’attenzione, è invece non l’enormità del corpo, bensì quella dello spirito…ogni poro di quella donna esprime gioia di vivere, un vero inno alla vita! Ed ecco allora come non fermandosi all’apparenza la Model evidenzia una traccia sotterranea ben più reale di quella apparente, più intima e, per i suoi controsensi, le speranze e debolezze, maggiormente umana. Grazie alla rielaborazione del linguaggio visivo operata dall’artista pur ritrovandosi a volte ad interfacciarsi con modelli noti, si finisce sempre per guardare qualcosa di familiarmente estraneo di cui a quel punto diviene inevitabile prendere atto per studiarlo con occhi rinnovati. Anche in quelle immagini, quindi, in cui l’originalità sembra essere del tutto assente, l’artista riesce ad esprimere una visione completamente vergine, pensiamo ad esempio alle fotografie scattate alle vetrine. Di certo questo tipo di iconografia non è nuova nella storia della fotografia: Eugene Atget lasciò molte immagini simili a cui la Model deve senz’altro essersi ispirata, ma quali sono le differenze che separano i due artisti oltre ovviamente all’intento col quale vennero scattate? E’ ormai noto che Atget collezionasse vedute e particolari di Parigi per venderli poi ad artisti e artigiani come studi, da ciò è quindi estremamente probabile che anche le fotografie delle vetrine siano state scattate allo stesso scopo, la Model invece scatta per “studiare”, per scoprire.

Con le fotografie della Model non si ha forse l’impressione che per una volta siano le vetrine a guardarci? Che ad essere dietro il vetro sia la strada e noi, passanti che veniamo riflessi, i veri manichini? Ad amplificare questa sensazione c’è poi il fatto che tutto è stato simbolicamente immortalato con chiarissime tracce di rifrazioni quasi in un gioco di specchi destabilizzante in cui la realtà diviene irriconoscibile e in nessun modo individuabile. Ed ecco quindi in un’immagine già visitata l’originalità apportata dalla Model. Ciò che ci sembra reale è ben più reale di quello che appare, basta lasciarsi andare all’inatteso per scoprire l’ignoto e fotografarlo con poesia.

Lisette Model era tanto elegante quanta sconcia. Era capace di intrattenere gli angeli in cielo e sbirciare impudicamente sotto le loro vesti. Nel suo lavoro c’era qualcosa in agguato, un’essenza profondamente animata. Critica, ma anche fonte di vita: abbracciava la mortalità che ci attende tutti sin dalla nascita, sapendo che ogni impulso si atrofizza subito se non viene fissato in un’immagine. La fotografia era l’unico mezzo adatto a quella dinamica, e Lisette l’abbracciò in tutti i suoi gesti.”

-Larry Fink-

Roberta Zanutto

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